Die Psychologie und der Prozess einer künstlerischen Konzeption

Ich habe in der Vergangenheit mehrere Artikel über die kreative Persönlichkeit geschrieben, das Navigieren in Beziehungen, wenn beide Mitglieder des Paares in ähnlichen künstlerischen Bereichen tätig sind, sowie die Motivation und Ausdauer, die es braucht, um trotz aller Widrigkeiten ihre Träume in der Kunstwelt zu verfolgen.

Ein Thema, das mir in den Sinn kam und von dem ich denke, dass es sehr interessant wäre, war der kreative Prozess. Was denken und tun verschiedene Künstler, um sich inspirieren zu lassen, um ein Konzept von der Inspiration zu einer Show zu bringen? Wie ist ihr Weg? Wie gehen diese einzigartigen Talente und dynamischen Persönlichkeiten den kreativen Prozess aus verschiedenen Richtungen an, kommen aber zum gleichen Ergebnis eines fertigen, ansprechenden und emotional ansprechenden Stücks?

In diesem zweiteiligen Stück werde ich den ersten Teil damit verbringen, mich auf vier sehr unterschiedliche, faszinierende und aufstrebende Künstler sowie einen Galeristen auf ihre Rolle im Prozess von der Gründung bis zur Ausstellung zu konzentrieren. Im zweiten Teil des zweiteiligen Stücks werde ich mich auf den einen Galeriedirektor und seine Ansichten über den Prozess und die Psychologie der Arbeit mit Künstlern konzentrieren und sie auf ihrem Weg begleiten.

Der kreative Prozess: Von der Idee bis zur Show

1. Gus Fink

Instagram: Gusfink

Facebook-Fanpage: www.facebook.com/gusfinkstudios

Website: www.gusfinkstudios.com

Gus hat einen völlig einzigartigen Stil, der ganz sein eigener ist. Er strebt danach, sich in ständige Projekte und neue Bereiche vorzuwagen, und hat den aufrichtigen Wunsch, eine Stimme und ein Vorbild zu sein, das er in der Kunstwelt gerne gehabt hätte, als er jünger war. Ich hoffe, dass es ihm nichts ausmacht, wenn ich hinzufüge, dass er der Meinung ist, dass seine bevorstehende Ausstellung „ das wichtigste Gemäldewerk ist, das er bisher geschaffen hat “. Es ist zutiefst persönlich und wichtig, und das kann das Werk nur auf kraftvolle Weise rüberbringen.

Hier sind Gus’ Gedanken zu seiner Erfahrung und seinem kreativen Prozess:

„Als Künstler habe ich 2001 begonnen, meine Arbeiten in Galerien zu verkaufen. Seitdem hatte ich 15 Einzelausstellungen und war Teil von 25 Gruppenausstellungen. Der Weg bis jetzt hatte seine Höhen und Tiefen, und diesen September habe ich meine erste Solo Show in LA seit 2009.

Damals, als ich neu in LA war, und jetzt bin ich mehrmals geschäftlich zurückgekehrt. Damals wurde ich gerade 30 und nähere mich jetzt der 40. Seitdem hat sich viel verändert und ich hatte mehrere Solo-/Gruppenshows an der Ostküste, wo meine Wurzeln liegen. Die Galerieseite meiner Karriere ist ein Teil meiner Karriere, und zum Glück fielen mir viele Möglichkeiten ein, über 18 Jahre lang Vollzeitkünstler zu sein, ohne zu unterrichten und ohne freiberufliche Arbeit. Nur ich, kein Agent, kein Manager.

Ein Typ in einem Raum, der von der Gesellschaft ausgeschlossen ist, nimmt leere Leinwände, Papiere, Holz usw. und verwandelt es in etwas. Etwas, das ich liebe und von dem ich hoffe, dass andere sehen können, dass eine besondere Energie davon ausgeht, ob unbewusst oder nicht. Es bringt sie dazu, Geld für das Ding auszugeben, das ich aus meinem Kopf gezogen habe. Ich betrachte das als Alchemie, wahre Alchemie.

Sie denken vielleicht, was zum Teufel hat das mit Galerien zu tun oder wovon reden Sie? Nun, darauf gehe ich jetzt ein. Meine nächste Einzelausstellung trägt den Titel „Facebook Friends“. Es ist das einzige Mal, dass ich einer Galerieausstellung ein Thema gegeben habe. Normalerweise verpacke, verpacke und hänge ich meine aktuelle Lieblingsarbeit einfach mit ein paar älteren Arbeiten zusammen.

Bei dieser Show wollte ich etwas machen, das eine vollwertige Serie ist. Ich bin bekannt für meine Antik-Horror-Gemälde, die mir viele Galerieausstellungen eingebracht haben, Lizenzverträge für Hemden, die bei Hot Topic verkauft wurden, und mehr. Aber ich habe diese Technik noch nie gemacht oder Menschen mit modernen Fotos übermalt. Heute ist jeder ein Fotograf bis zu einem gewissen Grad. Es ist fast eine wertlose Ware wegen des einfachen Zugangs. Die Leute klatschen Selfies und Bilder von allem, worauf sie gerade Lust haben, wann immer sie wollen.

Facebook ist dieser Ort, mit dem sich Erwachsene verbinden, während sie ihre Seelen wirklich in den Online-Modus stellen, anstatt echte menschliche Verbindungen zu haben, wie wir es früher getan haben. Also, für diese Show schnappe ich mir Profilbilder von verschiedenen Facebook-Freunden, die ich habe, die meisten dieser „Freunde“, die ich nie im wirklichen Leben getroffen habe. Bei manchen weiß ich nicht einmal, ob sie die sind, für die sie sich ausgeben.

Viele scheinen Fans meiner Arbeit zu sein, und dafür bin ich dankbar. Aber ich habe nie wirklich das Gefühl, dass ich einen kleinen Teil dieser Freunde im wirklichen Leben habe. Tatsächlich bekomme ich nie einen Anruf von irgendjemandem außer meiner Frau und meinem Bruder.

Also schnappe ich mir diese Bilder und verwandle sie in Kunst. Ich erschaffe etwas Neues aus einem wertlosen Selfie-Foto-Screengrab und lasse mich dann von der Person woanders hinführen. Das Ziel bei jedem ist es, es in etwas zu verwandeln, das echte rohe Emotionen ausstrahlt.

So viel von Facebook und Social Media ist gefälscht. Es sind Menschen, die versuchen, perfekt zu sein. Es geht nicht darum, wer sie wirklich darunter sind oder wie sie manchmal sogar aus der Nähe und persönlich IM ECHTEN LEBEN aussehen. Diese neuen Arbeiten sind dunkel, chaotisch, charmant, psychotisch, schmerzhaft und atemberaubend schön. Weil sie das echte RAW-Leben sind, das aus Materialien und Händen auf greifbaren, einzigartigen, authentischen, echten Atomen besteht, die mit Gerüchen und Geschmack aus ihnen platzen.

Wie bin ich auf diese Idee für diese Show gekommen? Jahrelang beobachtete ich, wie die Welt voneinander zurücktrat. Jahrelang habe ich mich in mir selbst gehalten, die Welt mit meinem Kopf und meiner Seele erschaffen und sie konsequent ausgeschüttet, damit die Leute sie sehen können, hauptsächlich online. Aber einmal im Jahr oder vielleicht öfter, bei einer Galerieausstellung.

Indem ich also diese Bilder meiner Facebook-Freunde swipe und sie in ein echtes Kunstwerk verwandle, das die Leute im wirklichen Leben und nicht auf ihren Bildschirmen sehen können, bin ich wieder ein Alchemist und verwandle nichts in etwas, etwas in mehr. und Dinge bewegen, verschieben und die inneren Markierungen meiner Seele verbreiten, um Menschen zu inspirieren.

Lassen Sie uns in einer kreativeren Welt aufwachen. Lassen Sie uns wieder verbinden. Meine Ausstellung findet am 9. September im Dark Art Emporium in Long Beach, Kalifornien, statt. Ich hoffe dich dort zu sehen!”

2. Julia B.

Website: JuliesArt.com

Facebook-Fanpage:  https://www.facebook.com/JuliesArtCom/

Instagram: juliesartcom

Julie ist so kreativ, so bereit, neue Dinge auszuprobieren, und vor allem, sie gibt sich anderen hin. Ich habe persönlich erlebt, dass sie echte Freude daran hat, ihre Tricks des Handels mit mir zu teilen. Ihre Bereitschaft, anderen dabei zu helfen, Dinge auf eine Art und Weise zu schaffen, die sie jahrelang durch Versuch und Irrtum zu kultivieren brauchte. Ihre Freude, ihre Liebe zum Detail und ihre Furchtlosigkeit zeigen sich in ihrer Arbeit.

Hier sind Julias Gedanken:

„Eines der Dinge, die ich am Schaffen von Kunst liebe, ist die Vielfalt der Medien und Prozesse, die verwendet werden können. In der Kunstschule habe ich so viele verschiedene Klassen wie möglich belegt und konnte im Laufe der Jahre noch mehr experimentieren. Ich denke, dass fast jeder davon profitieren kann, Kunst zu schaffen. Die Erfahrung ist sowohl geistig anregend als auch meditativ zugleich.

Meine große Leidenschaft sind Tiere. Sie arbeiten sich in die meisten meiner Kunstwerke ein – von traditionellen Medien über Kunsthandwerk bis hin zu Spielkunst. Während einige meiner Arbeiten ein wenig düsterer sind (zum Beispiel: „Death of Life“ skulptierte Skelettvögel, inspiriert von der Müllhalde des pazifischen Wirbels), sind die meisten optimistisch und skurril. Ich ziehe es vor, Arbeiten zu schaffen, die ein Lächeln hervorrufen und dem Betrachter einen Einblick in eine alternative Tierwelt ermöglichen, in der ein Schuppentier ein Professor für Geographie ist oder ein Zuckergleiter die Unterwelt regiert.

Mein kreativer Prozess beinhaltet viel Recherche zu Tieren und das Sammeln von Referenzmaterial. Ich versuche, ihrer Kernform treu zu bleiben, bevor ich einen anthropomorphen Spin hinzufüge. Bei einigen meiner Stücke habe ich eine klare Vision; aber bei vielen entwickelt sich ihre Geschichte, wenn ihre Gesichter und ihr Charakter zum Leben erwachen.

Ich genieße es wirklich, bildhauerische Arbeiten zu machen und war in letzter Zeit auf einem „Nadelfilz“-Kick. Es ist ein zeitaufwändiger Prozess, bei dem lose Fasern mit einer Nadel mit Widerhaken durchstochen werden, bis sie Form annehmen, aber es ist eine wunderbare Möglichkeit, die Weichheit von Tieren nachzubilden.

Ich hatte das Glück, Miniaturversionen der Krafttiere oder geliebten Haustiere der Menschen zu erschaffen: Fledermäuse, Hasen, Hunde, Katzen, Giraffen, Lemuren, Faultiere, Ziegen, Bären, Vogel-Bärtierchen und mehr. Ich bin sehr dankbar, dass ich meine Kunst nutzen kann, um einigen meiner liebsten Tierschutzorganisationen etwas zurückzugeben, wenn die Mittel knapp sind.

Ich habe großen Respekt vor den vielen Opfern, die diese Organisationen bringen, um sich um unsere Schwächsten zu kümmern. Es gibt einige großartige Galerien, die mir die Gelegenheit gegeben haben, meine Arbeit in einem öffentlichen Rahmen zu zeigen. Ich habe derzeit ein Stück, ‚Benny‘, in der Hyaena Gallery in Burbank ausgestellt.“

3. Jeremy Kreuz

Instagram:  jeremycrossart

Online-Shop:  jeremycross.bigcartel.com

Bevorstehende Projekte:

• August – „The Troma Show“ in der Hyaena Gallery
• „Sideshow Revival“ (Darsteller) in Alex’s Bar Long Beach
• September – „3 Uhr morgens“ in der Hudson Hughes Gallery
• Oktober – „Occult Show“ in der Future Gallery
• November – „Underworld“ in der Copro Gallery
• „Requiem“ (Kurator) Dark Art Emporium

Der nächste Künstler, den ich Ihnen das Vergnügen vorstellen darf, ist Jeremy Cross. Jeremy wird von vielen verschiedenen künstlerischen Bestrebungen und Medien angetrieben. Er mag es nicht, zu lange in einem Stil oder Raum zu bleiben, um seine kreativen Säfte fließen zu lassen.

Er hat einen einzigartigen Stil, der beim Betrachter etwas hervorruft, das nicht geleugnet werden kann. Am wichtigsten ist, dass er unglaublich bescheiden, großzügig und großzügig gegenüber seinen Fans ist; Zuletzt haben sie ein Projekt mit anderen Künstlern kultiviert, das ihre Arbeit erschwinglich und für diejenigen zugänglich macht, die ein echtes Stück Kreativität besitzen möchten.

Die beteiligten Künstler werden aufgefordert, nur Artikel zu verwenden, die sie in einem 99-Cent-Laden kaufen können. Ich muss sagen, es sind einige der kreativsten, interessantesten und sogar geradezu lustigen Dinge, die man sich vorstellen kann. Die erste Auktion fand gerade bei eBay statt , weitere werden versprochen. Ich konnte nicht anders, als mir ein paar Stücke von diesem ersten Start zu schnappen.

Hier sind einige von Jeremys Gedanken:

„Ich wünschte, es gäbe einen magischen Moment der Inspiration. Ein ätherisches Licht des Außerbewusstseins, das die Vision für neue Werke mit sich bringt. Das ist der Traum, oder? Aber so geht das nicht. Die Realität ist düster, zeitraubend und manchmal schmerzhaft.

Wenn ich an einem Stück für eine thematische Gruppenausstellung arbeite, kann das es entweder einfacher oder so viel schwieriger machen. Versuche, dich in das Thema hineinzufinden. Dieses Gleichgewicht, dass sich alles, was Sie tun, wie Ihr Zeug anfühlt, während Sie sich gut mit dem Thema der Show vermischen.

Für die Arbeit, die ich für mich selbst mache, wird das normalerweise zu einer Einzelausstellung. Der Ablauf ist völlig anders. Ich versuche nie, mir ein Thema für die Serie auszudenken. Ich arbeite nur. Ich male und skizziere eine Menge Arbeit und wenn sich ein roter Faden durchzieht, dann weiß ich, dass ich an etwas dran bin, und von dort aus laufe ich weiter.

Ich skizziere viel. Skizzieren hilft, es herauszufinden. Ich nehme mein Skizzenbuch und gehe zu einer leeren Kneipe, trinke und skizziere. Ich blättere durch die Seiten und versuche, die richtigen Winkel, Beleuchtungen und Ideen zu finden. Ich zeichne Dinge, von denen ich weiß, dass sie scheiße werden, Ideen, die geradezu dumm sind. Sie setzen sich durch, weil sie oft etwas Unerwartetes ergeben.

Sobald ich diesen Spalt in der Rüstung des Stücks gefunden habe, verfeinere ich es erneut auf Papier. Dann zeichnen Sie es noch einmal auf Holz. Ich bin in erster Linie Ölmaler und beginne mit dünnen Farbverläufen, die mit Liquin gesättigt sind. Dadurch bleibt die Skizze sichtbar, während ich Ebenen aufbaue.

Aber ich spiele auch ziemlich viel mit Brandmalerei, etwas Skulptur, Multimedia (Anmerkung des Autors: einer meiner Lieblingsstile von ihm), Assemblage, aufwändige Rahmung usw. Jedes davon hat seinen eigenen Prozess, seine eigene Agenda und seinen eigenen Fluss. Ich kann mich nicht zu lange an ein Medium oder einen Ansatz halten, ich langweile mich schnell. 

Vielfalt ist meine Rettung. Das erstreckt sich auf alles. Neben der Erstellung traditioneller Kunstwerke bin ich auch ein erfahrener Kurator (ich arbeite jetzt mit meiner 3. Galerie zusammen – The Dark Art Emporium in Long Beach, Kalifornien. „Requiem“, meine erste kuratierte Ausstellung für sie, wird diesen November eröffnet).

Ich spiele Gitarre und singe. Ich schreibe. Ich mache Möbel aus alten Weinfässern und werde dieser Liste bald Vaudeville-Künstler hinzufügen, wenn ich mich in „The Divine Reverend Swine“ als Moderator und Moderator des „Sideshow Revival“ verwandle, das am 27. August in Alex’s Bar in Long beginnt Strand.

Jede Teilung des Weges, jede Ablenkung haucht dem nächsten neues Leben ein. Lässt mich frisch zum Beginn jeder Phase eines Prozesses zurückkehren. Wenn Abwechslung tatsächlich die Würze des Lebens ist, dann werde ich mein Leben höllisch scharf nehmen.“

4. Camilla D’Errico

Website: camilladerrico.com

Facebook-Fanseite:  www.facebook.com/camilladerricoart

Instagram: camilladerrico

Die letzte Künstlerin, die ich mit aufrichtiger Freude mit Ihnen teilen möchte, ist Camilla D’Errico. Sie ist ganz einfach ein Hauch frischer Luft. Ihre Arbeit ist wunderschön, voller Leben, Liebe, Ehrfurcht und Ruhe. Ihr einzigartiger Stil ist sofort erkennbar. Ich bin bereit zu wetten, dass Sie ihre Arbeit gesehen haben, auch wenn Sie ihren Namen bisher nicht kannten ( obwohl ich wetten würde, dass viele von Ihnen ihn kennen ).

Sie hat eine positive Einstellung und Liebe zu ihren Mitmenschen. Sie möchte diesen Glauben und diese Lebensweise durch ihre Arbeit mit anderen teilen. Während sie erfolgreich ist, ist sie bescheiden. Obwohl sie talentiert ist, hat sie das Gefühl, dass sie sich immer dazu drängen kann, mehr zu lernen und auszuprobieren. Während sie beschäftigt ist, findet sie Zeit, um zu unterrichten und sich mit anderen auszutauschen, die sich durch zahlreiche Bemühungen ausdrücken möchten.

Hier sind einige von Camillas Gedanken zu ihrem kreativen Prozess und wie sie zu ihrer bevorstehenden Show kam:

„Ich liebe es, Künstler zu sein, weil ich im Grunde in zwei Welten existieren kann. Ich verbringe den halben Tag in meiner kreativen Welt: Ich falle hinein wie Alice in den Kaninchenbau. Ich konzentriere mich auf die Erstellung meiner Bilder, lasse Emotionen und Seele in sie einfließen und vergesse dabei alles andere.

Die andere Seite meines Lebens ist die Realität, die nichts mit meiner kleinen Regenbogenwelt zu tun hat. Diese Seite meines Lebens ist voll von E-Mails, Terminen, Meetings, Social Media, Vertragsverhandlungen und Planungen für die Zukunft.

Das Problem am Künstlerdasein ist, dass die Tür zu meiner kreativen Welt nicht immer so leicht zu finden ist. Viele Leute fragen mich, woher ich meine Inspiration bekomme und woher meine Ideen kommen, was eine unglaublich schwierige Frage zu beantworten ist.

Wenn ich meine Inspiration visualisieren würde, wäre es ein Labyrinth, in das ich hineingehe und versuche, zufälligen Gedanken, Ideen, Bildern einen Sinn zu geben; und ich öffne Tür für Tür, um zu sehen, ob sich hinter bestimmten Orten das Stück meiner Seele befindet, das ich in der realen Welt wiedergeben möchte.

Vor ein paar Monaten habe ich mir eine neue Einzelausstellung mit der Corey Helford Gallery für März 2018 in Los Angeles gesichert. Ich war so aufgeregt, weil ich den Galeristen und den Raum verehre, und es ist eine Ehre, gebeten zu werden, im Hauptausstellungsbereich zu sein. Allerdings war ich bis vor kurzem nicht in der Lage, ein Thema für meine Show zu erstellen.

Ich habe monatelang versucht, zu skizzieren und Bilder zu entwickeln, die ich malen wollte, aber eine nach der anderen fühlten sich meine Ideen hohl an. Das passiert den Künstlern ständig, die Künstlerblockade. Ich wusste nicht, wie ich diesen riesigen negativen Felsbrocken umgehen sollte, der sich in meinem kreativen Geist aufgerichtet hatte. 

Erst bei meiner letzten Reise nach Rom hatte ich einen Durchbruch. Mir wurde klar, dass ich mich dieses Jahr auf all die negativen Aspekte des politischen Klimas konzentriert hatte, das Amerika überholt hat. Ich bin Kanadierin und lebe in Vancouver BC, aber ich habe eine tiefe Bindung zu den USA. Meine Freunde und meine Familie leben dort, und ich habe eine Veränderung im Land erlebt, die mich tief verletzt hat.

Politik ist eine hässliche Sache. Vielleicht bin ich zu empfindlich, aber ich hatte wirklich das Gefühl, dass die Botschaft der Liebe irgendwie verloren ging. Als ich in Rom war, hörte ich ein Sprichwort: „Wir leben alle unter demselben Himmel“. Dann erwähnte jemand, dass Kanada ein Mosaik von Kulturen ist, die das Land ausmachen; Wir begrüßen die einzigartigen Kulturen aller Menschen unter der großen rot-weißen Flagge.

In diesem Moment wusste ich genau, was ich malen würde. Meine neue Einzelausstellung wird ein Mosaik der Menschlichkeit sein. Ich möchte die Botschaft vermitteln, dass Hautfarben keine Rolle spielen, wir alle rot bluten, egal welcher Rasse Sie angehören, welche Größe Sie haben, wen Sie lieben, wir alle sind Teil dieser erstaunlichen Welt. Einheit, Vielfalt und Menschlichkeit werden die Themen meiner Einzelausstellung sein, weil ich wirklich und zutiefst glaube, dass sie das sind, was meine Seele zum Ausdruck bringen muss.

Als Künstler ist es schwierig, an Fristen zu arbeiten, weil es keine Garantie dafür gibt, dass wir Ideen genau dann generieren können, wenn wir sie brauchen. Ich liebe es, Malerin zu sein und mich selbst an neue kreative Grenzen zu bringen und anderen zu helfen, die Künstler werden wollen. Ein Teil meiner Karriere konzentriert sich darauf, neue Künstler zu inspirieren und zu unterrichten. Ich verbringe viel Zeit mit der Erstellung meiner How To-Bücher und mit meinen Online-Kursen mit Creative Bug und Skillshare.

Ich habe viel durchgemacht, um ein professioneller Künstler zu werden. Wenn ich anderen durch meine Erfahrungen helfen kann, dann möchte ich hart daran arbeiten, sie zu teilen und ihnen zu helfen, zu wachsen und zu lernen. Ich glaube nicht, dass die Leute wirklich wissen, wie viel es mir bedeutet, wenn sie mir sagen, dass sie wegen mir wieder mit dem Malen angefangen haben oder dass sie auch die gleichen Schwierigkeiten hatten, ihre Fähigkeiten zu entwickeln.

Außerdem öffne ich dieses Jahr zum ersten Mal mein Studio für die Öffentlichkeit. Es ist mein Heiligtum, aber auch ein Ort der Inspiration und Farbe, zu dem ich Fans und aufstrebende Künstler einladen möchte. Das Ziel ist es, mit dem Unterricht in meinem Studio sowohl persönlich als auch online zu beginnen. Ich habe sehr hart auf dieses Ziel hingearbeitet, daher ist es einer der Höhepunkte meines Jahres, wenn ich sehe, wie es verwirklicht wird.

Ich arbeite alleine in meinem Studio, also liebe ich es, über soziale Medien mit Menschen in Kontakt zu treten, weil es sonst ein einsames Leben sein kann. Ich bin immer so demütig, was meine Unterstützer mir sagen. Mir war nicht klar, dass Kunst einen so tiefen Einfluss auf die Menschen hat, bis die sozialen Medien zu einer so starken Kraft in unserem Leben wurden.

Ich habe mehr als ein paar Mal geweint, wenn sie mir ihre Geschichten darüber erzählt haben, wie meine Kunst sie beeinflusst hat. Es ist unglaublich. Also arbeite ich trotz all meiner Höhen und Tiefen, meiner wahnsinnig geschäftigen Arbeit und meines Kongressplans hart daran, die Art von Person und Künstler zu sein, die sie gerne unterstützen, und ich möchte so viel wie möglich zurückgeben.

Ich hoffe, dass meine neue Arbeit sie inspirieren und mit ihnen verbinden wird. Ich möchte diese Welt mit Schönheit, Liebe und Akzeptanz füllen.“

5. Bill Shafer, Galerist

Hier sind einige Gedanken von Bill Shafer, Inhaber der Hyaena Gallery in Burbank, Kalifornien . Bill hat mit vielen aufstrebenden Künstlern zusammengearbeitet, und viele der in diesem Artikel vorgestellten sind in seiner Galerie zu sehen und werden es weiterhin tun.

Bill hat eine sehr spezifische Agenda, um einen Raum zu schaffen, der es dem Künstler ermöglicht, der vielleicht keine „Stimme“ hat, die zu einer traditionellen Galerie passt, aber dennoch eine einzigartige und wichtige Stimme ist. Durch seine Galerie habe ich viele einzigartige Talente kennengelernt, die ich sonst vielleicht verpasst hätte.

Hier ist, was Bill über die Auswahl von Künstlern für seine Galerie, für monatliche thematische Gruppen- und Einzelausstellungen sowie seine Rolle im gesamten kreativen Prozess zu sagen hat:

„Ich bin der festen Überzeugung, dass der Zweck einer Kunstgalerie darin besteht, einen künstlerischen Standpunkt zu vertreten und diesen der Öffentlichkeit zu präsentieren. Es ist so, wie früher das UKW-Radio war, bevor die Korporatisierung diese Industrie beanspruchte. Sie würden sich auf einen bestimmten DJ oder eine Radiosendung einstellen, weil Ihnen die Musik, die sie spielten, gefallen hat. Du hattest eine gewisse Beziehung zum Geschmack des DJs und es würde sich auszahlen, wenn er/sie dich auf eine neue Gruppe aufmerksam machte, die dich umgehauen hat.

In einer Kunstgalerie sind die Künstler die Rockstars. Ein guter Kurator baut das Vertrauen seines Publikums auf und bringt ständig neues Blut in die Szene, aber auf eine Weise, die aus Ihrer Sichtweise Sinn macht. Es gibt so viele Galerien im ganzen Land, die einer strengen Playlist zu folgen scheinen: bekannter Künstler, berühmter Künstler, Gruppenausstellung mit einem leicht zu vermarktenden Thema, Nostalgie-Tribute-Show, bekannter Künstler usw.

Wenn ich Kunstausstellungen bei Hyaena buche, suche ich nach Künstlern, die mich begeistern. Wenn ich etwas in der Arbeit sehe, das mich auf der richtigen Ebene bewegt, dann weiß ich, dass ich die Kunst ausstellen muss. Ich versuche, eng mit den Künstlern zusammenzuarbeiten, aber nie so weit, ihnen Anweisungen zu geben, was sie erschaffen sollen.

Ich möchte sehen, was im Kopf des Künstlers vorgeht, nicht seine Interpretation meiner Vision. Einige Kuratoren gehen den Weg der Eitelkeit und versuchen, jeden Aspekt der Ausstellung eines Künstlers zu beeinflussen. Ich denke, wenn Sie den Künstler glänzen lassen, wird die Öffentlichkeit sehen, was Sie ursprünglich in der Arbeit gesehen haben. Förderung und Unterstützung sind meines Erachtens wertvoller, als das Talent zu lenken.

Jetzt, mit Künstlern, die neu im Spiel sind, werde ich immer Vorschläge machen, wie man eine erfolgreiche Ausstellung produziert. Preislich gesehen, wenn Sie mindestens ein paar Stücke haben, die für Gelegenheitssammler erschwinglich sind, wird dies dazu beitragen, einige schnelle Anfangsverkäufe zu erzielen. Es wird auch helfen, die größeren, wichtigeren Stücke hervorzuheben und zu verkaufen.

Meiner Erfahrung nach fangen angehende Sammler oft klein an und arbeiten sich allmählich auf der Kunstleiter nach oben. Als solches versuche ich, den Sammler zusammen mit dem Künstler zu fördern. Mit Abzügen der Arbeit wird sichergestellt, dass alle Sammlerebenen betreut werden, und die Ausstellung wird für den Künstler erfolgreicher.

Bei Gruppenausstellungen suche ich gerne ein Thema, das die Künstler vor allem inspiriert. Meine Regel lautet: Wenn das Kunstwerk gut ist, wird das Publikum reagieren. Daher übersehe ich oft „einfache“ Konzepte zugunsten von Dingen, die die Künstler inspirieren. Ich halte die Shows intim, mit 15-20 Künstlern, damit jedes Stück hervorgehoben werden kann.

Ich sehe Gruppenausstellungen in anderen Galerien mit einer Künstlerliste von über 50 … das fühlt sich für mich eher wie eine Party an, bei der der Fokus eher auf dem Spektakel als auf der Kunst liegt. Mit der Hängung des Exponats kommt meine Hauptrolle ins Spiel. Das ist eine seltsame Kunst für sich. Es gibt Orte an den Wänden, die natürliche Fokuspunkte sind, und ich versuche, eine Erzählung und einen Fluss zu schaffen, auf den die Leute reagieren werden.

Wenn niemand diesen Teil bemerkt, dann habe ich es gut gemacht. Darüber hinaus arbeite ich im Bereich Promotion und Vertrieb. Mein Ziel ist es, die Kunstwerke für jedermann zugänglich zu machen. Ich denke, das Entscheidende für mich ist, einfach den Künstlern zu vertrauen und die Kunst zu feiern … deshalb sind wir alle hier.“

Fazit

Ich hoffe, dass Sie diesen ersten Teil der zweiteiligen Serie interessant fanden. Ich gehe wirklich davon aus, dass Sie ein besseres Verständnis für die einzigartigen Wege und Prozesse haben werden, die jeder Künstler einschlägt, um zu einem fertigen Ergebnis zu kommen, sowie einen Einblick in jede dieser einzigartigen Stimmen.

Die Psychologie, die in jeden ihrer Planungs- und Kreativprozesse einfließt, die Botschaften, die sie hervorzurufen versuchen, sowie die Echtheit und Offenheit, die sie von und mit ihren Geschenken und für ihre Fans haben. Es ist eine Freude, sie kennenzulernen, und Sie werden es nicht bereuen, ihre Arbeit kennenzulernen.

Ich hoffe, dass Sie ein größeres Gefühl der Verbundenheit mit ihnen spüren, wenn Sie jeden ihrer Prozesse und Absichten verstehen.

Begleiten Sie mich bitte im zweiten Teil dieser zweiteiligen Serie, in der ich Matt Kennedy von der renommierten Galerie La Luz De Jesus und sein neues Unternehmen Gallery 30 South interviewe.

Dieser Artikel wurde ursprünglich hier veröffentlicht.